WHIPLASH

Andrew Neiman (Miles Teller) es un joven de 19 años que aspira a convertirse en un batería de primera. Tiene sueños de grandeza y quiere triunfar en el elitista Conservatorio de Música donde estudia. Su director de orquesta, Terence Fletcher (J.K. Simmons),un profesor conocido por su talento y sus duros métodos de enseñanza, le animará y dirigirá para triunfar, cambiando su vida para siempre.

Su director, Damien Chazelle, presentó un corto con el mismo nombre y la misma historia y de ahí surgió la película sobre un alumno y un profesor que quieren conseguir la perfección a toda costa. Con numerosos premios a su espalda, 3 premios Oscar, un Globo de oro, etc esta pequeña película, sin demasiada publicidad y que ha pasado un poco desapercibida, es sin duda una de las mejores del año.

Alumno, profesor y sobretodo la batería son los principales protagonistas. Los golpes de tambor y el martilleo constante e intenso inundan toda la película y llegan a meterse en la cabeza del espectador, lo que hace que sientas más el ritmo de la cinta. Y a medida que el ritmo crece, también lo hace la tensión, es esfuerzo, el dolor y el sufrimiento de los protagonistas.

La película cuenta con un magnífico guión que pone de manifiesto la lucha de Andrew por conseguir su sueño y la dureza y mano de hierro de un profesor, violento y cruel, que cree que sólo se consigue la excelencia con sangre, sudor y lágrimas.

Tanto Miles Teller, actor que desconocía, como J.K. Simmons están grandiosos. La película son ellos dos, una lucha interpretativa donde ambos se necesitan para conseguir sus fines, donde la intensidad de la batalla va en aumento y donde el ritmo te atrapa hasta el final.

Con un final brillante, un duelo donde el joven Andrew da lo mejor de sí, lucha con todas sus fuerzas para demostrar de lo que es capaz, es un choque brutal donde ambos quieren llegar a la perfección.

También hay que destacar el montaje y sonido de la película, al salir de la sala tienes toda la emoción de canciones como Whiplash y Caravan en la cabeza.

Una gran película, llena de energía y ritmo. Merece la pena por la batalla interpretativa, por la música, por los personajes y un maravilloso guión. Sin duda, una de las joyas del año.

DRAGONES DE CINE

 

Hoy es Sant Jordi, una festividad muy especial en Cataluña. Es el día de la rosa y el libro, el día de cuentos, leyendas y dragones. El cine está llenos de estas maravillosas criaturas, así que aquí os dejo algunos de los dragones más famosos del cine:

-Draco de "Dragonheart: Corazón de dragón"

El sabio y bueno dragón Draco le cede parte de su corazón al joven príncipe Einon, herido de muerte por su malvado padre. Así, intenta que un trocito de su corazón pueda convertirlo en un monarca bueno y justo, no como su pérfido padre. Pero con el tiempo, la maldad y la codicia de su progenitor acaban por aparecer. Draco y el caballero Bowen se unen para acabar con él.

Destaca el maravilloso doblaje del dragón, tanto en la versión original con la voz de Sean Connery, como en la doblada al español por Paco Rabal.

-Smaug de “El hobbit: la desolación de Smaug”

En la segunda parte de la trilogía el pequeño Bilbo Bolsón, junto a Gandalf y un grupo de enanos se embarcan en una aventura para recuperar las tierras y riquezas que les fueron arrebatadas. Allí encontrarán a una criatura aterradora e inteligente, a un ser que pondrá a prueba a nuestros amigos con tal de defender el tesoro que les quitó a los enanos.

-”Dragones y Mazmorras” 

 

Aquí, no hay un solo dragón protagonista. La película cuenta la historia de Profion, un malvado mago que quiere destronar a la nueva emperatriz. Ella pide ayuda a un grupo de aventureros que deben encontrar un objeto mágico para malograr los planes del perverso mago. El objeto es la Barra del control del dragón, que da el poder de controlar los dragones.

-Furia Nocturna, Desdentado de “Cómo entrenar a tu dragón”

Hipo es un joven vikingo que no encaja muy bien en su tribu, no es lo que se dice un gran cazador de dragones, pero todo cambia cuando encuentra a un dragón que le hará ver el mundo de una forma totalmente diferente. Las apariencias, a veces, engañan.

-Haku de el “El viaje de Chihiro”

Es un dragón blanco, amigo de la protagonista que ayuda y apoya a Chihiro en su viaje para salvar a sus padres y volver a casa. Tiene la habilidad de transformarse en ser humano, volar y hacerse invisible. Es la personificación del espíritu del río donde Chihiro cayó cuando pequeña, en cierta manera es como su ángel de la guarda.

-Saphira de “Eragon”

Eragon es un muchacho pobre que vive en una modesta granja. Un día encuentra una especie de zafiro grande que cree que podrá intercambiar por comida. Para su sorpresa, descubre que no era una piedra, era un huevo de dragón.

-Elliott de “Pedro y el dragón Elliott”

Película de la factoría Disney que combinaba escenarios reales con animación para contar la tierna historia de Pedro, un niño huérfano y su mejor a migo, un dragón verde con el que canta y comparte grandes aventuras.

-La dragona de “Shrek”

Al principio aparece como guardiana de la princesa Fiona, para evitar que alguien la rescate, pero pronto su personaje da un giro increíble. Al ver a asno, se enamora a primera vista y forma una familia numerosa muy curiosa.

GRANDES PAPELES QUE FUERON RECHAZADOS

 

¿Qué pasa cuando un director cree que un actor es el idóneo para un papel, pero éste lo rechaza? Pues puede que a veces, la película sea un desastre, pero otras gracias a esa decisión puede que el resultado sea mejor de lo esperado. Incluso, en ocasiones nos es muy complicado imaginarlo de otra manera.

John Travolta rehusó el papel protagonista de “Forrest Gump”. Ésto fue un golpe de suerte para Tom Hanks, ya que ha sido uno de sus papeles más conocidos y que le valió un Oscar. Sin duda la mítica frase de la película: “La vida es como una caja de bombones nunca sabes lo que te va a tocar...”, le va muy bien a la gran oportunidad que tuvo Tom Hanks.

Will Simth rechazó el papel de Neo en “Matrix” para hacer “Wild Wild West”. Algo incomprensible, sólo con leer el guión debería haberse dado cuenta que Matrix era una película totalmente nueva y revolucionaria. Dijo que la veía demasiado ambiciosa y no creía que el proyecta saliera bien. Sin duda a veces la intuición puede fallar.

Otras que también se equivocaron fueron Demi Moore y Meg Ryan que rechazaron interpretar a la protagonista de “Pretty Woman”. Julia Roberts no tuvo problema con el papel de prostituta y fue su salto a la fama y a partir de aquí se convirtió en la novia de América.

George Lucas no escogió primero a Harrison Ford para Indiana Jones. Él lo tuvo claro en la audición, quería que Tom Selleck hiciera el papel. Pero Selleck ya tenía un contrato para la protagonizar la serie “Magnum, Investigador privado” y lo rechazó. Así, que Steven Spielberg convenció a Lucas para que le diera el papel a Harrison Ford, que ya era famoso por la Guerra de las Galaxias. Al principio no estaba muy convencido con la idea porque no quería dar siempre papeles a los mismos actores, pero al final accedió.

Val Kilmer rechazó el papel protagonista de “Dirty Dancing”. Patrick Swayze saltó al estrellato por su interpretación del profesor de baile Johnny Castle. Creo que no hubiera sido lo mismo con Val Kilmer. En aquella época todas queríamos tener un profesor de baile como Swayze!

Por suerte para todos, Tom Cruise no quiso participar en “Eduardo Manostijeras”. Johnny Deep era el actor indicado para interpretar esa maravillosa fábula sobre un joven muy especial. Con Tom Cruise no hubiera sido lo mismo.

Bruce Willis no aceptó el papel de Sam Wheat en “Ghost”, junto a su mujer Demi Moore. Después de interpretar grandes películas de acción no quiso encarnar a un fantasma porque lo consideraba un poco extraño. Cosa que luego haría en otra película muy conocida.

Sandra Bullock dejó escapar el papel de una boxeadora tetrapléjica en “Milllion Dollar Baby”. Sin duda se equivocó y más si estaba bajo la dirección de Clint Eastwood. Hilary Swank sí supo aprovechar la oportunidad y realizó una magnífica interpretación merecedora del Oscar al mejor actriz.

Sean Connery es uno de los actores que más grandes papeles ha rechazado. Es un gran actor y en toda su carrera ha interpretado a grandes personajes, pero a veces, ha rehusado grandes personajes. Puede parecer que el papel de Hannibal Lecter era un gran regalo para el actor que lo encarnara, pero Sean Connery no lo creyó así. También dejó pasar a Morpheo en “Matrix”. Otro gran error fue dejar escapar el papel de Gandalf en “El señor de los anillos” ya que al leer el guión no entendía bien la historia. Así, se esfumó otro gran éxito.

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA

 

La historia ocurre en la Francia de los años 20, una época marcada por el jazz, la moda, la música y la lujuria. Stanley Crawford (Colin Firth), un mago inglés que no cree en nada intentará desenmascarar a Sophie (Emma Stone), una presunta médium ,que tiene encandilada a una familia rica estadounidense.

Woody Allen nos vuelve a traer una comedia de enredos amorosos ambientada en una década especial, los felices años veinte. Con “Magia a la luz de la luna”, pretende devolvernos aquellas comedias encantadoras y predecibles que lo único que pretendían era entretener. La película tiene varios marcas características de la filmografía de Woody Allen. No falta un protagonista escéptico, analítico y mordaz, una joven bella y cautivadora y todo envuelto por la belleza de la ambientación. En la fotografía destaca el encanto de la costa francesa, el azul del mar y el verde de la naturaleza.

Colin Firth aporta elegancia y un característico toque británico que le va muy bien al protagonista. Es el típico personaje alter ego de Allen, cínico, neurótico y un poco sabelotodo y en en contrapartida una cautivadora y vital Emma Stone. El choque entre la magia y el racionalismo hará que los polos opuestos sientan atracción. La estética, el vestuario y el estilo de la época están sumamente cuidados, te trasladan fácilmente a la época y al lugar.

Sin embargo, “Magia a la luz de la luna”, no es su mejor película. Un argumento sencillo que no atrapa y que puede llegar a aburrir un poco. En definitiva, Woody Allen nos brinda una comedia sencilla sin demasiadas pretensiones.

EL VIAJE DE CHIHIRO

 Un viaje lleno de magia e imaginación, eso es sin duda El viaje de Chihiro.

Chihiro es una niña de 10 años que viaja con sus padres. En el trayecto su padre toma un atajo que les lleva a un túnel. Al atravesarlo encuentran un pueblo abandonado, deciden investigar un poco y encuentran un restaurante lleno de comida, así que sus padres empiezan a comer. Mientras, Chihiro prefiere seguir explorando pero cuando vuelve encuentra a sus padres convertidos en cerdos. Al anochecer el pueblo abandonado se trasforma en un mundo extraño lleno de seres diferentes. Aquí empieza El viaje de Chihiro para intentar devolver a sus padres a su forma original y poder regresar a casa.

El director, Hayao Miyazaki, es uno de los maestros del cine de animación de todos los tiempos. Creador del Estudio Ghibli, este cineasta japonés revolucionó el mundo de la animación llenando sus películas de mensajes positivos y donde la naturaleza, la responsabilidad, la importancia de soñar y luchar para mejorar están siempre presentes. Con La princesa Mononoke llegó su reconocimiento internacional debido a que fue de las primeras películas que lanzaban al mundo occidental. Pero con El viaje de Chihiro llegó el gran reconocimiento a su carrera, ganando el Oso de Oro de la Berlinale y el Óscar a la mejor cinta animada en 2002.

El universo de Miyazaki siempre es muy rico, es capaz de crear mundos plagados de personajes y elementos extraños, llenos de imaginación y detalles. Su cine rebosa magia, tratando la naturaleza infantil con una sensibilidad y ternura maravillosas. 

 

Chihiro, dentro de un mundo mágico, lleno de personajes estrambóticos, tiene que luchar para poder salvar a sus padres y volver a casa. Así, con valentía, esfuerzo y esperanza consigue volver a la normalidad. Pero ella no es la misma, porque la película es, en definitiva, el viaje de la pequeña protagonista hacia un mundo mágico que la conducirá a un verdadero viaje de crecimiento personal y maduración.

Pero en esta aventura Chihiro no está sola, Haku será su mano derecha. Será su gran aliado y le ayudará a sobrevivir en el mundo de la malvada bruja Yubaba. Otro personaje muy curioso es el Sin Cara, un fantasma misterioso tímido y bueno que se transformará y mostrará su peor cara gracias a la avaricia de la gente. Pero la bondad, la moderación y control de Chihiro lo devolverá a su estado original.

El viaje de Chihiro es una película tierna, sensible, tremendamente original para enamorar a niños (de 10 años en adelante) y adultos. Trata sobre el amor, la amistad y que el esfuerzo siempre tiene recompensa. Una joya imprescindible que te llega al corazón.

PELÍCULAS DE FANTASMAS

 

El cine de terror siempre ha estado presente desde los inicios del séptimo arte. Ya es Halloween y es el mejor momento para revisar algunas películas de fantasmas. Aunque nos despierten una mezcla de miedo y curiosidad, siempre nos han fascinado. ¿Qué hay más allá de la muerte?

El cine está lleno de grandes historias de fantasmas y de todo tipo de géneros. El primero y más obvio es el cine de terror o suspense:

-El resplandor (1980)

La obra maestra de Stanley Kubrick nos traslada a un impresionante y solitario hotel en Colorado. Allí Jack Torrance (Jack Nicholson) se traslada con su mujer y su hijo de siete años para encargarse del mantenimiento de las instalaciones mientras el hotel permanece cerrado durante el período invernal. Pero poco después de su llegada Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad. El niño, que tiene visiones, se topa con los fantasmas de dos niñas gemelas que fueron asesinadas en la habitación 237. Jack también se encuentra con varios fantasmas y ésto, junto con la soledad y aislamiento del lugar lo llevan a enloquecer.

-El final de la Escalera (1980)

John (George C. Scott) es un compositor que acaba de perder a su su mujer y a su pequeña hija en un terrible accidente automovilístico.. Para tratar de superar esta amarga situación decide mudarse a una antigua y solitaria casa. Al poco de tiempo de instalarse empiezan a suceder cosas extrañas. Hasta que un día descubre una habitación secreta situada al final de la escalera. Pese a no tener grandes efectos especiales logra asustar y inquietar gracias a un gran argumento y una excelente interpretación de George C. Scott.

-Poltergeist: fenómenos extraños (1982)

Los Freelings, una típica familia de clase mediase traslada a vivir a una nueva urbanización y a una bonita casa en un barrio tranquilo. Pero dentro de la casa empiezan a suceder cosas extrañas, fenómenos paranormales sin explicación. La hija más pequeña, Carol Anne, es la primera en contactar con los espíritus a través de la pantalla de la televisión. Ésta película es considerada una de las “cintas malditas” de Hollywood ya que varios de sus interpretes murieron prematuramente.

-El sexto sentido (1999)

El doctor Malcom Crowe (Bruce Willis) es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven al que no pudo ayudar. Cuando conoce a Cole Sear, un confuso niño de 8 años, ve una oportunidad de redimirse y hará todo lo posible para ayudarlo. Pero no será tan fácil porque tendrá que lidiar con el extraño don del niño que ve fantasmas y espíritus. La película tuvo mucho éxito tanto de público como de crítica. Tiene una de las frases más recordadas del cine: “I see dead people (En ocasiones veo muertos)”.

-Los otros (2001)

Película española dirigida por Alejandro Amenábar que nos sitúa en 1945, cuando la II Guerra Mundial ya ha terminado. Grace (Nicole Kidman) que espera la llegada de su marido, vive en una isla solitaria, en una vieja casa victoriana junto a su hija Anne y su hijo Nicholas. Los niños sufren una extraña enfermedad, no les puede dar directamente la luz del día. Cuando contrata a sus tres nuevos sirvientes, descubren que no están solos en la casa. Así, Grace deberá descubrir qué está ocurriendo y quienes son “los otros”. La película ganó 8 premios Goya.

-El Orfanato (2007)

Laura (Belén Rueda) se traslada con su marido y su hijo de siete años al orfanato donde creció de niña para convertirlo en una residencia para niños con discapacidad mental. El ambiente del viejo caserón despierta la imaginación de su hijo, que empieza a dejarse arrastrar por la fantasía. Los juegos del niño inquietan cada vez más a Laura, que empieza a sospechar que en la casa hay algo que amenaza su familia. La película de Juan Antonio Bayona fue un éxito de crítica y taquilla.

Dentro del género de terror hay que hacer mención especial al cine asiático con títulos tan conocidos como The ring (El círculo) (1998). La película se centra en una pequeña y tranquila ciudad japonesa, entre los estudiantes circula una leyenda en torno a unos videos malditos cuya visión provoca la muerte. En el vídeo aparece primero un aro y después una niña de cabello largo y negro con un camisón blanco que aparece saliendo de un pozo. Tras la muerte de su sobrina, una periodista investigará el origen de dichos videos, lo que no imagina, es que tras ver la cinta recibe una llamada en la que una voz femenina le dice “siete días·. Ahora deberá descubrir cómo librarse la maldición.

No sólo hay fantasmas siniestros o inquietantes algunos buscan amor o están profundamente enamorados:

-Ghost , más allá del amor (1990)

Sam Wheat y Molly Jensen (Patrick Swayze y Demi Moore) son una pareja de enamorados que ve truncada su felicidad cuando son atacados por un ladrón armado. Durante el forcejeo, la pistola se dispara y Sam muere. Convertido en fantasma debe permanecer en la Tierra para salvar la vida de su chica, que corre peligro. Su único medio de comunicación es una alocada vidente Oda Mae Brown (Whoopi Goldberg), así con su ayuda intentará ayudar a su amada.

-El fantasma y la señora Muir (1947)

Lucy Muir es una joven viuda que decide irse a vivir a orillas del mar, a una casa encantada que perteneció al capitán Gegg, un marinero cuyo fantasma se le aparece. Al principio, el capitán utiliza los mismos trucos que le sirvieron para librarse de otros inquilinos, pero con Lucy no funcionan. Tragicomedia fantasmagórica llena de encanto y magia con una espléndida fotografía y una banda sonora de Bernard Hermann extraordinaria.

Las comedias no se quedan atrás y también encontramos a los fantasmas más divertidos:

-Los cazafantasmas (1984)

Venkman, Stantz y Spengles son expertos en parapsicología a los que la universidad les deniega una beca de investigación. Al no tener trabajo, deciden fundar la empresa “Los Cazafantasmas) dedicada a limpiar Nueva York de ectoplasmas. El aumento de apariciones espectrales será el presagio de la llegada de un poderoso y peligroso demonio. Una de las películas más populares de los años 80, muy divertida y con una banda sonora igualmente inolvidable.

-Bitelchus (1988)

Un matrimonio de fantasmas (Geena Davis y Alec Baldwin) contrata los servicios de Bitelchus (Michael Keaton), un especialista en asustar mortales, para que ahuyente a los nuevos propietarios de su casa. Tim Burton en estado de gracia crea esta historia divertida y original que es ya todo un clásico del cine de los 80. Con una gran banda sonora, un maquillaje excelente y las geniales interpretaciones de Winona Ryder y Michael Keaton la convierten en una de las mejores películas de la época.

Buena Castañada y Feliz Halloween!!

EL JUEZ

Hank Palmer (Robert Downey Jr.) es un importante abogado defensor de la gran ciudad, ha hecho todo lo posible para alejarse de sus orígenes y olvidar su pequeño pueblo natal y a su familia. Hace mucho que no habla con su padre, Joseph Palmer (Robert Duvall), un juez inflexible y severo, pero una tragedia familiar le obliga a volver a casa. Allí se reencontrará con su estricto padre y toda la gente que dejó atrás. Sus planes de acabar rápido con esta situación se ven truncados cuando acusan de asesinato a su padre. Así que tendrá que defender al juez, y padre e hijo tendrán que superar muchos obstáculos emocionales y personales para resolver esta difícil situación.

David Bodkin es el director y productor de esta película. Siendo un director conocido más sus comedias como De boda en boda, Los rebeldes de Shangai o El cambiazo ha querido esta vez intentarlo con un drama sobre las relaciones familiares. La trama se basa en la propia experiencia del director con sus padres, cuando se ve en la difícil situación de ver como su madre pasa por las últimas fases de una enfermedad terminal. Intenta profundizar en las emociones humanas, en lo difícil de volver atrás, a algo que no soportas, pero que debes hacer. Cómo por la familia se hace todo lo que puedas y lo importante que es cuidar de ella.

Es una película que recuerda aquellas que se hacían antes, donde los personajes son muy importantes. Y eso en definitiva es lo más destacable del film, las interpretaciones. Sin duda es un duelo Robert-Robert, ambos están magistrales. Robert Duvall aporta seriedad y arrasa con todo, es sin duda una leyenda del viejo Hollywood. Robert Downey Jr. no se queda atrás en este duelo interpretativo ya que arrolla la pantalla con su carisma (tengo que decir que tengo debilidad por él, me encanta en todo lo que hace). También destacan los secundarios de lujo como Vera Farmiga, Billy Bob Thornton y Vincent D'Onofrio.

En definitiva es un drama no sólo sobre juicios, sino también sobre la familia y cómo luchar contra fantasmas del pasado. Está bien rodada, destaca por sus grandes interpretaciones y con una buena mezcla de momentos tristes, felices y divertidos que te hace pasar un buen rato.

LA ESPUMA DE LOS DÍAS

Imaginación al poder, eso es sin duda esta bonita historia de amor, un cuento lleno de magia que pasa de la luz más radiante a la oscuridad.

La espuma de los días es una película basada en la novela homónima de Boris Vian, que nos cuenta la historia de amor de un millonario excéntrico (Roman Duri) y una bella y elegante mujer (Audrey Tautou) que tras enamorarse locamente, se casan y viven felices hasta que ella enferma de forma extraña, un nenúfar empieza a crecer en su pulmón.

Michael Gondry adapta a la gran pantalla esta novela surrealista llena de aparatejos extraños, seres fabulosos, color y sobretodo mucha imaginación. La primera parte de la película es todo felicidad, edulcorada en exceso y llena de objetos singulares como pianocóctel, mesas ondulantes y un peculiar ayudante, un ratón pequeñito con la cara de un humano. Todo es luz, color y un loco mundo visualmente muy llamativo que resalta utilizando la técnica de stop-motion. Pero cuando la alegría desaparece de sus vidas la oscuridad llega, todo es triste, gris y poco a poco la desolación y melancolía impregna toda la pantalla. Michael Gondry da a todas sus películas un toque de surrealismo e imaginación. Algunas son mágicas como La ciencia del sueño (La science des reves , 2006), otras llenas de locuras como en Rebobine por favor (Be Kind Rewind, 2008) y en otras lo más importante es el amor como en su obra maestra ¡Olvídate de mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004).

El reparto está lleno de rostros populares del cine francés. Romain Duris y Audrey Tautou interpretan a la pareja protagonista, a los enamorados Colin y Chloé, dándole el toque justo de romanticismo y fragilidad. Los papeles secundarios recaen en el siempre interesante Omar Sy y en Gad Elmaleh como amigos de la pareja. 

 

En definitiva, La espuma de los días es una película visualmente apabullante, llena de objetos extraños, movimientos imposibles, color desbordante que se trasforma en oscuridad y tristeza y a pesar de una fotografía y montaje tan llamativos, toda esta mezcla llega a cansar al espectador. Es una película onírica, sensible y original pero se hace pesada y puede incluso cansar. A veces menos es más.

¿SABÍAS QUE....?

 

El mundo del cine y el de sus estrellas está lleno de curiosidades y anécdotas que nos llaman la atención.

Humphrey Bogart no sólo fue famoso por interpretar al perfecto tipo duro, detective o gánster. Cuando tenía dos años, su cara fue la elegida para ilustrar las etiquetas de una conocida marca de potitos. La madre del actor, Maude Humphrey, era ilustradora y su especialidad eran los dibujos de bebés. Solía dibujar para libros infantiles, catálogos de jugueterías o en las etiquetas de alimentos infantiles. En concreto, hizo cientos de dibujos para la marca de potitos Mellin, y cómo no, el modelo era su propio hijo. Por desgracia, ya han pasado muchos años y no se sabe exactamente cuál de ellos fue Humphrey Bogart.

James Stewart llevó el mismo sombrero en casi todas sus películas del oeste. A lo largo de los años cincuenta, Stewart rodó con el director Anthony Mann cinco westerns y se convirtió en uno de los actores más conocidos del género. Winchester 73 (1950) fue el primero, y luego estrenaron Horizontes lejanos (1952), ambas con mucho éxito. Al usar el mismo sombrero en las dos películas, éste se convirtió un un talismán para el actor. Así que estuvo presente en Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1954) y El hombre de Laramie (1955). Al poco de rodar esta última película el sombrero se cayó en pedazos de tanto uso!

¿Cuál es la película más larga de la historia? Por ahora Modern Times Forever es la cinta más larga filmada hasta la fecha. Es un film danés experimental que fue realizado por un grupo de artistas llamados Superflex. En la película que dura nada más y nada menos 240 horas (sí, sí, 240 horas) se puede ver el deterioro de un edificio a medida que pasa el tiempo. Fue proyectada durante varios días en Helsinki.

Hollywood está lleno de sagas familiares con historias bastante peculiares. Pero un dato curioso y sorprendente es que Jack Nicholson se enteró a los 37 años que los que creía sus padres, eran en realidad sus abuelos y la que siempre había considerado su hermana mayor era su verdadera madre. La madre se quedó embarazada muy joven, con diecisiete años y el padre no quiso saber nada del embarazo, por lo tanto se convirtió en madre soltera. En aquellos años estaba muy mal visto, así que la familia decidió cambiar los roles familiares para el bien de la madre y del bebé.

No siempre los grandes actores acaban de convencer en un casting. En 1971 cuando se rodó El padrino, Al Pacino era totalmente desconocido. Francis Ford Coppola le había visto actuar en el teatro y creía que era perfecto para el papel de Michael Corleone. Pero cuando Pacino se presentó a la prueba su interpretación fue un poco desastrosa. Al Pacino sólo tenía veintiún años y a los productores les parecía un joven pequeño, blando y con cara de bueno que no daba el perfil para hacer del conocido gánster. Además el pobre Pacino estaba muy nervioso y hizo una prueba pésima. Más actores pasaron por el casting como Martin Sheen , Robert de Niro ( que fue escogido para interpretar al joven Vito Corleone en El padrino II) y James Caan que al final interpretaría a Sonny Corleone, el hermano mayor de Michael. Como Coppola era muy cabezota decidió darle el papel de todas formas a Al Pacino. Cuando ya llevaban más de media película rodada, muchos no estaban convencidos del actor y querían despedirlo. Pero todo cambió cuando tuvieron que rodar una de las escenas principales de la película, la que cambia por completo a Michael Corleone, cuando deja de ser el hijo honrado y mata a tiros al jefe de policía y al mafioso. La interpretación de Al pacino fue tan perfecta que el resto es historia.

Es difícil saber cuál es la toma más repetida del cine, pero se cree que es de la película El resplandor de Stanley Kubrick. El director era tan perfeccionista que obligó a Jack Nicholson a repetir hasta 157 veces la escena del cuarto de baño en la que coloca la cabeza entre los restos de la puerta que acaba de destrozar y dice: ¡Aquí está Jack!

AFRO TANAKA

 

El protagonista es un joven japonés inseguro y un poco torpe con una peculiaridad que lo diferencia de los demás, tiene el pelo afro. Sin tener demasiada experiencia con las mujeres, intentará buscar novia con la ayuda de sus amigos que le acompañarán en esta difícil tarea.

Basada en un popular manga de Masaharu Noritsuke, fue la comedia japonesa más taquillera del 2012. También consiguió el premio del público, el Gat d'or, en el Festival Nits de Cinema Oriental de la ciudad de Vic en 2013.

Con un argumento sencillo, algo tonto, Matsui Daigo, consigue en su primer largometraje una película divertida y disparatada. Con humor inocente y absurdo nos retrata como en la sociedad nipona, llena de prejuicios, vive la juventud el sexo, el amor y la vida.

Shota Matsui interpreta a la perfección a Tanaka, un joven inadaptado, sin rumbo, torpe y sin ninguna noción para conquistar a una chica.

Divertida, disparatada, fresca, Afro Tanaka es una comedia diferente para pasar un rato agradable con un cine poco conocido.

Aquí os dejo el tráiler:

SPIN OFF DE SERIES DE TELEVISIÓN

 

¿Qué es un spin off? En el mundo de la televisión son esas series que surgen de otras anteriores. Cuando un personaje de una serie con éxito tiene posibilidades como protagonista los guionistas deciden crear un programa propio. A veces la cosa tiene éxito y otras no tanto.

Cosas de casa (Family Matters)

Algunos spin off son bastante desconocidos como éste. El público vio por primera vez a Harriete Winslow como la ascensorista del edificio donde vivían Balky y su primo Larry de Primos Lejanos. Éste personaje y su familia obtuvieron serie propia que consiguió más éxito que la original gracias al personaje de Steve Urkel (Jaleel White).

Frasier

Uno de los más conocidos fue el protagonizado por el doctor Frasier Crane que era uno de los clientes habituales del bar Cheers, una de las series míticas de los años 80. Nos contaba la historia del peculiar psiquiatra que se traslada a su ciudad natal, Seattle, y conocemos a sus amigos y familiares. La serie fue una de las comedias más populares de la televisión gracias a grandes momentos protagonizados por Frasier, su hermano y su padre.

Aída

No podemos olvidar la ficción española con el spin off más conocido de todos. Aída fue uno de los personajes de la popular serie 7 vidas. Los guionistas pensaron que Carmen Machi podría continuar con el mismo papel en una serie propia. La idea funcionó y los divertidos vecinos de Esperanza Sur nos han hecho reír durante muchas temporadas.

Joey

Al acabar la genial serie Friends, dado el éxito del show, pensaron continuar con alguno de los protagonistas. Así surgió Joey, que se traslada a Los ángeles para continuar su carrera como actor. La serie no obtuvo mucho éxito y menos comparándola con su predecesora, una de las mejores comedias de la televisión.

Melrose Place

Aaron Spelling creó esta serie partiendo de Jake (Grant Show) que apareció durante un tiempo en Sensación de vivir como novio de Kelly. Fue pensada para un público joven un poco más adulto que su predecesora . Durante sus primeros episodios los personajes más conocidos de 90210 aparecieron en Melrose. Ambas series tuvieron mucho éxito.

Sin cita previa (Private Practice)

La serie narra la nueva vida de la doctora Addison Montgomery (Kate Walsh) que deja el Hospital Seattle Grace de Anatomía de Grey debido a problemas sentimentales y decide mudarse a Los Ángeles. Allí empieza a trabajar en una clínica privada de unos amigos. No dejó la serie del todo ya que volvió a aparecer como invitada en su antigua serie. Aunque no consiguió tanto éxito como su original tampoco le ha ido del todo mal.

Salvados por la campana (Saved by the Bell)

Pocos conocen que el origen de ésta serie fue Good Morning Miss Bliss, que solo tuvo 13 capítulos. Los productores cambiaron un poco la serie para crear la exitosa Salvados por la campana. En la original ya aparecían 4 personajes: Zack, Screech, Lisa y el Sr. Belding.

Angel

David Boreanaz era el carismático y atormentado novio vampiro de Buffy, la cazavampiros. Al acabar la tercera temporada y darse cuenta que la relación entre ambos era imposible, se traslada a Los Ángeles. Allí continuará con su propia serie donde abrirá una agencia de detectives con la ayuda de Cordelia y un medio demonio. La serie tuvo cinco temporadas y fueron comunes las visitas entre las dos series, algo que encantaba a sus seguidores.

The Cleveland Show

La incorrecta serie de animación Padre de Familia (Family Guy) también ha tenido su propio spin off. El personaje principal es Cleveland Brown, el amigo negro de Peter Griffin. Pero la nueva vida al abandonar Quahog no ha tenido mucho éxito y la serie ya ha sido cancelada.

NCIS (Navy: Investigación criminal)

La serie trata sobre un equipo de agentes especiales del Servicio de Investigación Criminal de los Estados Unidos. Los personajes principales surgieron de un capítulo de la serie JAG, que trataba sobre abogados también de la marina. Es una de las series con más éxito de la actualidad y sigue en antena. A la vez de ella ha surgido otro spin off, NCIS: Los Ángeles y está apunto de estrenarse NCIS: Nueva Orleans.

Por último no puedo dejar de hablar de los dos spin off más esperados de la temporada: Flash y Better Call Saul. Intentando aprovechar el éxito de Arrow en octubre se estrenará The Flash. El nuevo héroe de la cadena CW ha aparecido en dos capítulos de la segunda temporada de Arrow. Así pretenden extender el universo de DC comics con otro de sus superhéroes. 

 

El productor de la genial Breaking Bad no ha querido dejar atrás una de las mejores series de televisión para crear este spin off centrado en el abogado Saul. La serie tendrá lugar antes, durante y después de los acontecimientos ocurridos en la serie original, así que al tener una linea temporal flexible hay posibilidad de volver a ver personajes de Breaking Bad, incluido el regreso de Walter White, pero por ahora son solo rumores. Espero que ambas series tengan mucho éxito.

IN A WORLD...

 

Carol es una entrenadora vocal de las estrellas de Hollywood. Tiene un gran talento para copiar distintos acentos e intenta explotar todo el potencial que tiene en su voz. Es hija de un actor de doblaje, egocéntrico y creído, que es muy popular por las voces en off de los tráilers. Ella vive a la sombra de su padre e intenta progresar en un mundillo muy sexista donde sólo las voces masculinas triunfan. Sin embargo, le llega la oportunidad de hacer el casting para poner la voz en off de una importante tetralogía, ¿será capaz de competir con su padre y con otra estrella masculina?

Lake Bell es la directora, guionista y protagonista de “In a world...”. Para su debut como directora ha elegido la comedia pero alejándose del típico cine comercial. Nos muestra una faceta diferente del mundo del celuloide, otro mundo detrás de las cámaras dónde lo que importa es la voz. Nos enseña a actores y grandes profesionales, muchas veces olvidados, que consiguen que con su voz crezca nuestro interés por una película. Como resultado ganó el premio a mejor guión en el Festival de Sundance y una nominación a los Independent Spirit Awards en la misma categoría.

Pero no es solo una comedia centrada en el trabajo de la protagonista, también son importantes los personajes secundarios, las diferentes tramas con su hermana, con su joven madrastra, con sus compañeros de trabajo, etc.. No es una comedia brillante, pero cuenta con un guión entretenido y original.

Hay destacar las voces de los protagonistas, al ser una película sobre el mundo del doblaje hay muchos matices y cambios de registros, por lo tanto, recomiendo verla en versión original. Creo que deberían haber sacado más partido a sus maravillosas voces, pero supongo que no era lo más importante de la película.

In a world... es entretenida, sin ser una de las mejores películas del año es diferente, original y fresca. 

Aquí os dejo el tráiler: